Ser guionista de historietas no significa ser "un autor menor", considera Fabien Vehlmann, guionista de "Spirou y Fantasio" desde 2010, sino ser el auténtico artífice de que esos dibujos puedan vivir y hacer vivir a los lectores aventuras como las de esta tira francesa, que tiene 72 años.
"Es como si tuviéramos un papel secundario, sí, pero a la vez somos lo más imprescindible de la obra"..
Vehlmann afirma que no tiene "ningún sentimiento de inferioridad" respecto al dibujante, o a aquellos autores que manejan las dos disciplinas; sino todo lo contrario: "Me siento cómodo al pensar que el guión es una de las cosas esenciales que hay en el cómic. Hay un dicho que dice que igual que se compra un álbum de un autor novel porque te ha entrado el dibujo, luego compras el siguiente porque te ha gustado el guión. Para mí hay cierta nobleza en esa relación de dependencia con el dibujante", en su caso con Yoann Chivard.
Firme en su idea de que escribir para historietas es participar en un arte capaz de "comunicar grandes ideas", es en su relación con la tira creada por Rob-Vel en 1938 donde ha podido comprobar lo "duro y lo divertido" de continuar las historias del único personaje del cómic franco belga que sigue en activo desde su creación (Tintin se creó en 1930, pero acabó en 1976).
"Con esta serie lo que ocurre es que hay un grupo de lectores que han crecido con ella y cada uno de los álbumes que he hecho (ya van cuatro en Francia) han tenido una acogida distinta por parte del público. A veces los seguidores pueden ser muy benévolos o muy duros".
El francés se propone en cada historia "enganchar lectores más jóvenes", porque son a los que "echa de menos". Aunque es consciente de que esto implica también una "pérdida" de ese lector fiel de toda la vida.
Por las venas de Salif Keïta, de 66 años, corre sangre de realeza: es heredero directo de Soundjata Keita, el fundador del imperio de Malí, en 1240.
Pero ser albino en África, al menos en las zonas más rurales, significa para muchos el llevar consigo una maldición que en algunos casos incluye hasta a linchamientos públicos. Aunque lo que terminó por perturbar al padre de Salif fue cuando este le dijo que sería músico.
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Lo que vino después, con el grupo Les Ambassadeurs y, luego, en su propia carrera desde los años 70, que estalló internacionalmente en Francia en los 80, transformó la mentalidad de Malí y abrió las puertas de una revolución del world music, que puso sus ojos en ese país.
Keïta estará esta noche en concierto por primera vez en Colombia, en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo.
En medio de su gira internacional, respondió algunas preguntas sobre su encuentro con Mandela, el significado del albinismo en África y sus mejores álbumes.
En 1987, ‘Soro’, un álbum muy eléctrico, fue su debut internacional desde París. ¿Qué tenía en mente?
Ese disco fue el resultado de la colaboración entre dos productores, Jean Philippe Riquiel y François Briant. Primero hicimos repeticiones y arreglos entre nosotros, los músicos, y luego les dimos las maquetas a los productores. Finalmente nos fuimos para el estudio Plus 30 en París. La idea era mandar una tarjeta de visita al mercado europeo y mundial.
En otro álbum, ‘La Différen- ce’ (2010), retoma el asunto de sentirse diferente en África: en ese continente ha habido una persecución histórica a los albinos. ¿Han cambiado las cosas?
Sí, por supuesto, las cosas cambian. Hoy existe el Día Internacional de Sensibilización al Albinismo. Es importante hablar de eso, para que la gente entienda que no somos tan diferentes, todos somos humanos y todos tenemos la capacidad de hacer cosas bellas.
Además, en África ya no hay sacrificios en la plaza pública, lo hacen en secreto y el simple hecho de que eso ya no esté aceptado en la opinión pública ya es un logro grande.
Todavía hay mucho camino por recorrer y hacia allá vamos con la fundación Salif Keïta.
Ese disco es uno de los más acústicos de su carrera y explora una faceta diferente de artista. ¿Cómo se define como artista hoy?
Sí, es cierto, vuelvo al acústico. El cambio es necesario en la vida de un artista, si no, uno no se renueva y se vuelve aburrido. Nunca he deseado tener la etiqueta world u otra etiqueta, solo hago música y ya. No me gusta encasillarme, en cambio sí me gusta sentirme libre de hacer rock o funk si un día me dan ganas. De todos modos, en la historia de la música todos estamos vinculados.
¿Cómo fue su relación con Mandela? ¿Qué recuerda de cuando se conocieron?
En 1988 hicimos un espectáculo en Wembley para su liberación. Pero lo conocí en París, aunque realmente no tuve una relación personal con él. Creo que lo conocí como todo el mundo lo conoció.
Tal vez muchos africanos esperaban que participara en la política en África. ¿Lo habría hecho?
No, el pueblo debe unirse con el gobierno. El país tiene que estar unido para avanzar y mi papel es hacer música, no hacer política. Soy músico antes que todo pero es un honor ser considerado así por mis compatriotas, por supuesto.
‘M’Bemba’ (2005) fue el primer disco que hizo en Bamako (Malí) tras regresar a casa, pero tuvo un impacto inmenso en París, que estaba empapelada de afiches con su rostro. ¿Qué tanto influyó en su música ese regreso a su casa?
De hecho, este disco fue, después de haberme encontrado con muchos músicos internacionales, el resultado de todos esos encuentros y de vuelta en Malí.
Al volver a casa, ¿hubo una reconciliación con su padre?
Sí, cuando entendió que ser músico era un oficio, nos reconciliamos.
En Colombia, estamos en un proceso de negociación de paz. ¿Cree que el arte puede jugar un rol importante en el posconflicto?
Sí, creo que la música es un medio para instalar la paz en el corazón de la gente.
Una carrera brillante
Salif Keïta ha grabado 11 álbumes en estudio desde su debut en Francia en 1987, además de ‘Seydou Bathili’, que hizo en 1982 en Bamako. Entre los músicos que lo han acompañado están Carlos Santana, además de los fundadores de Weather Report Wayner Shorter y Joe Zawinul. Una de sus colaboraciones más importantes fue para el proyecto Red Hot + Blue, un disco en beneficio de las víctimas del sida.
¿Dónde y cuándo?
10 de octubre. 8 p. m. Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo. Calle 170 n.° 67-51, Bogotá. Teléfono 377-9840. Boletas desde 35.000 pesos.
El Museum Kunstpalast de Düsseldorf (oeste de Alemania) ha presentado a los medios la exposición 'Zurbarán. Maestro del detalle', la primera retrospectiva que se dedica en el país al pintor español y que ha sido inaugurada por la Reina Letizia.
La muestra, producida en cooperación con el museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, está integrada por 71 piezas de Zurbarán (1598-1664) y sigue a las dedicadas recientemente por ese museo alemán a Caravaggio y El Greco.
Junto a las obras del maestro del Siglo de Oro español, en su mayoría exponente del arte religioso más arquetípico del pintor, se exhiben ocho naturalezas muertas de su hijo, Juan de Zurbarán (1620-1649).
La retrospectiva recorre desde la obra temprana del artista a algunas de sus pinturas más celebradas, óleos recientemente restaurados y algunas piezas inéditas.
El estilo característico de Francisco de Zurbarán, con sus monjes ascéticos, místicos mártires y demás figuras religiosas, llegará así al público de Alemania, país donde hasta ahora sólo se le menciona como coetáneo de Diego Velázquez.
Para el director del Kunstpalast de Düsseldorf, Beat Wismer, la retrospectiva es una especie de "acto de justicia" hacia el maestro español, "prácticamente un desconocido en este país", según indicó en la presentación.
Las obras proceden principalmente del Thyssen-Bornemisza de Madrid, aunque con cesiones de otras pinacotecas como el Prado, el Museum of Art de Nueva York o el de Múnich.
Según Wismer, algunas de las piezas no se han exhibido apenas, ni siquiera en España, y son en cualquier caso un estreno absoluto en Alemania.
La inauguración tiene rango de acontecimiento artístico y ciudadano en Düsseldorf, la capital del populoso land alemán de Renania del Norte-Westfalia, por la presencia de la Reina Letizia.
La muestra, que permanecerá abierta hasta el 31 de enero próximo, está patrocinada por la Fundación Banco de Santander y apadrinada por el presidente alemán, Joachim Gauck, y el Rey Felipe VI.
En paralelo, se exhibirán dos muestras, a modo de interpretaciones contemporáneas del maestro, con el "Homenaje a Zurbarán" de la fotógrafa estadounidense Evelyn Hofer, o sobre la influencia del pintor en el mundo de la moda, en la titulada "Art & Fashion".
La retrospectiva se inscribe en el ciclo de exposiciones consagradas al arte español, abierto a principios de año y que se prolongará hasta entrado en 2017 por distintas ciudades alemanas.
Además de las piezas de Zurbarán y su hijo, a través de este ciclo se recorrerá el arte de Joan Miró o Pablo Picasso, junto con otros menos conocidos en el país, como Joaquín Sorolla.
La serie arrancó el pasado enero, con una muestra titulada 'Miró: pintura y poesía',en el Bucerius Kunst de Hamburgo (norte), museo que dedicará otra exposición en 2016 a Picasso
Antigua ciudad minera, Linares es tristemente conocida en los últimos tiempos por estar a la cabeza en el ránking de municipios con mayor tasa de paro de España. El desempleo ha consumido una localidad de la que muchos han tenido que irse; otros, sin embargo, se quedan, y desde Jaén conquistan el mundo. Es el caso del grafitero Miguel Ángel Belinchón, Belin, que ha cruzado el charco para realizar, en Brooklyn y Los Ángeles, los murales promocionales de la colección que ha creado para Sephora la famosa tatuadora Kat Von D, (re)conocida por haber marcado la piel de gente como Lady Gaga, Jared Leto, Miley Cyris o Demi Lovato.
"No suelo hacer trabajos promocionales, pero si Kat me lo pide, lo hago", comentaba a EL MUNDO entre risas el linarense desde Los Ángeles, donde acababa de aterrizar tras haber estado trabajando durante cinco días en el mural de Nueva York, una pintura de cinco metros de alto y 25 de largo en la que aparecen la tatuadora, la ganadora del concurso #rockyourlips de Instagram y varias de las piezas de la línea de maquillaje.
"Kat siempre me da fotos a elegir y comentamos ideas hasta que los dos estamos de acuerdo; le envío algunos bocetos y ya está: me gusta este", cuenta sobre el proceso Belin, que conoció a la artista en 2008, a través del fotógrafo californiano Lionel Deluy. "Desde ese momento, quiso que pintase para ella, y así fue". Hizo tres murales para Von D hasta 2010 y en 2013 expuso en su galería, Wonderland. Ahora se suman los trabajos de Brooklyn y Los Ángeles.
Estos últimos son solo dos de una larga lista de murales de Belin que ha ido realizando por el mundo. No recuerda cuántos, pero su firma está presente en las calles de ciudades como Londres, París, Sao Paulo, Ciudad de México, Tel-Aviv o Nápoles. También ha pintado en lugares de Alemania, Croacia, Holanda o Bélgica, entre otros países, entre los que por supuesto también está España.
Y Linares se impregnó de color
"Desde muy pequeño he dibujado como hobby", comenta el jiennense, que empezó a dedicarse de pleno al grafiti hace una década. El origen fue una foto de un trabajo de este arte urbano que encontró en una revista en 1995. "Creo que esta fue la transición del dibujo a la pintura. A partir de este momento, Belin impregnó Linares de color", confiesa el artista, que ha dejado su marca en lugares tan simbólicos como el yacimiento íbero-romano de Cástulo o su propia casa, en cuya fachada hay una pintura de sus hijos.
"Todo gira alrededor de mi familia. Es mi estabilidad y fe", reconoce el artista, para quien Linares tiene "muchas ventajas" para criar a un crío, aunque "hay que cambiar muchas cosas". "Linares debemos de cambiarlo culturalmente", subraya Belinchón, según el cual en la ciudad andaluza no se fomenta lo suficientemente el arte. Pese a ello, él encuentra espacios para expandirse, trabajando con el ebanista Manuel Jesús Padilla o el alfarero Juan Pablo Martínez 'Tito', de la vecina Úbeda.
"Me paso los días inventando, haciendo ideas realidad; me encanta innovar, conocer a otras personas que trabajan duro en el arte y artesanía", relata el grafitero, que está preparando dos exposiciones para los próximos meses, además de varios cuadros para Art Madrid. "No quiero que Belin tenga limitaciones en la creatividad", afirma, convencido de que un artista "debe de poder conseguir todo lo que su imaginación le muestra". En su caso, a través del grafiti, un arte que "ya está en los museos" aunque "siempre habrá detractores".
Con ocasión de la exposición Comer en Parque Explora, éste es un texto del artista Ernesto Restrepo Morillo sobre su trabajo con papas difundiendo el Proyecto Cosecha de Papas.
En 1992, año de la discutida celebración del descubrimiento de América, fui invitado a la Galería de la Oficina a una exposición sobre “el bodegón”, aproveché para hacer una obra que a la vez comentara sobre el discutido aniversario.
De la manera como veía este evento, no había necesidad de echar culpas y lamentarse. Decidí hacerle un homenaje a América, resaltando que cosas de acá habían invadido al mundo tanto como las cosas que de Europa habían llegado a América.
Dándole vueltas a este asunto llegué a la papa, el tubérculo americano despreciable y feo que terminó salvando a Europa del hambre, calmando la sed de los rusos, completando la comida francesa y siendo símbolo de Irlanda, tanto que Van Gogh la hizo tema del arte, entre otras cosas.
Hoy la papa es la primera planta cosechada en el espacio, se usa para hacer plásticos, y (al fin) tiene reconocimiento como objeto de belleza, su valor estético va desde su uso como elemento decorativo, hay bonsáis a partir de la solanácea y hasta objeto de uso sexual.
El arte como mencioné antes no ha estado exento de su presencia, pero vale la pena mencionar que un gran numero de artistas han reconocido su apego a la patata, Joseph Beuys, Víctor Gripo, Denis Openhaim, entre otros (curiosamente artistas conceptuales).
Solo hace falta mirar en las cerámicas quechuas los verdaderos padres de la papa, la adoración, respeto y responsabilidad que le entregaban a este, como símbolo de vida y de realidad terrenal.
Así pues, hice una serie de pilas de papa de bronce, lo más cercanas a la realidad. Al fin de cuentas eran un homenaje y en estos casos lo mejor es decir de las virtudes del homenajeado. Al final su humildad, la de la papa, era lo más valioso. Sin especulación poética, solo un retrato fiel.
Recortando esta historia, después empecé a hacer las papas de cerámica y, de hacerlas y hacerlas, cada vez eran mas realistas, hasta el punto de parecer un truco efectista. Al mismo tiempo su carga conceptual fue haciéndose mas fuerte, sus referentes a la economía y la historia fueron más evidentes. Y lo más importante, el tiempo de la obra. Cada año desde el 92 he hecho una cosecha, y la llamo “cosecha de papas”.
Al final estas, como en cualquier cosecha, dejan el bulto y van al tendero y luego a la mesa más humilde o al restaurante más elegante por igual. Mis papas son regaladas, intercambiadas o vendidas, y están en las casas, en museos y en colecciones publicas y privadas. En oficinas y en restaurantes. Ricos y pobres las tienen. Son para mi una especie de moneda de valor relativo.
Beatriz, enfermera jubilada de 72 años, aguarda su turno para adquirir una tarjeta de internet en el Vedado habanero. Su única hija, "que se quedó" en Europa hace seis años, se casa en unos días, y ella verá la ceremonia a través de una tableta que le ha prestado un vecino. "Nunca creí que soportara tanto tiempo sin verla. Pero sí, los cuerpos resisten lo que tú no eres capaz de imaginar. El corazón, bueno, ese siempre lo tengo extrañando", dice.
De añoranzas, colas interminables, solidaridad y grandes sacrificios saben mucho las mujeres cubanas. Todas ellas, sin distinción, son
maestras en resistencia y creatividad ante la escasez sostenida y la falta de oportunidades reales de desarrollo en un país fuertemente empobrecido. A principios de los 90, la desaparición de la URSS sumió a Cuba en un gravísimo estado de deterioro social, una brutal escasez de alimentos y combustible y una 'guerra mental' de tal dimensión que su recuerdo aún anuda las gargantas: "Ese Período Especial sí que fue una terrible lección de vida. Y ahí estuvimos las mujeres, al frente de las familias, para inventar y resolver la supervivencia", rememora Beatriz.
En realidad, llovía sobre mojado. La isla ha estado sometida a un durísimo embargo comercial por parte de Estados Unidos desde 1960 que empieza a ver su fin ahora. Si recientemente ambos países restablecían sus relaciones diplomáticas, a finales de septiembre el presidente Obama y su equipo diplomático tomaban la decisión inédita de no oponerse a una condena de Naciones Unidas al embargo. La reciente visita del Papa Francisco a ambos países también ha contribuido a limar sensibilidades contrarias a la reconciliación. Pero queda mucho por hacer, y muchísimo, respecto a las mujeres cubanas. Con una de las tasas de fecundidad más bajas del mundo (1'7 hijos por mujer), una esperanza de vida de 78 años y una participación laboral y política a escala europea, el nivel educativo y el elevado poder personal de las mujeres en Cuba no tiene parangón en el ámbito latinoamericano; tampoco en materia sexual. Mariana, bioquímica de 35 años, cree que la suerte que han tenido "es que el catolicismo no ha impregnado la educación, porque la represión sexual femenina ha sido muy dañina en otros países. Y también nuestra ley del aborto, nuestro derecho a decidir".
Otro tema bien distinto es el poder adquisitivo de sus salarios. La doble moneda y el irreversible encogimiento de la libreta de alimentos subsidiados han dado al traste con el proyecto de equidad social. El sueldo mínimo estatal es de 250 pesos cubanos (10 euros) y los precios de la mayoría de productos básicos están al nivel español o superior: la carne de cerdo cuesta 4 euros el kilo y un litro de aceite de soja, 2'5 euros.
Marilú, ingeniera hidráulica reconvertida en operadora turística, explica cómo en esa situación es imposible vivir solo con el salario en pesos. "Si no recibes remesas de la migración o haces algún 'bisnesito' o trabajas en el sector turístico, no hay forma humana de mantenerte como una persona".
Las mujeres optimizan sus saberes femeninos y su formación en busca de otras vías de ingresos, más allá de su jubilación. Aunque todavía son solo el 20% de las titulares del trabajo por cuenta propia, todas, incluidas profesionales de prestigio, llevan adelante diferentes iniciativas, ya sea legalmente o 'por la izquierda': ofertan comida y refrescos, alquilan habitaciones, limpian y planchan para extranjeros o familias cubanas prósperas, organizan eventos, son manicuristas o peluqueras, dan clases particulares de repaso escolar, gestionan 'círculos' (guarderías infantiles) privados, etcétera. "Aquí hay profesionales con una enorme preparación y un sentido de la responsabilidad y la entrega que a uno le emociona, como ocurre con los médicos", relata Judy. En 2013, el Estado dobló el salario al personal sanitario, insuficiente aún para acceder a una vida confortable. Daniela, médico intensivista con dos especialidades, cobra 1.520 pesos (64 euros) mensuales. Ingresa un dinero extra haciendo 'cakes' de cumpleaños. Mariela, trabajadora estatal, explica que las cubanas tienen "afán de aprender y aspiraciones altas, pero es que el no reconocimiento en cuanto al salario, te mata. Es lo que obliga a las profesionales a trabajar como taxistas o poniendo uñas, y lo que hace que mucha gente sea indolente frente al trabajo".
La devaluación de la educación es una de las mayores preocupaciones de las mujeres. Año tras año, baja el número de personal docente preparado. Los profesionales renuncian por las difíciles condiciones y el inexistente poder adquisitivo de sus salarios, que no han aumentado pese a la carestía de la vida y a la tarea fundamental que realizan.
Fuentes oficiales reconocen que el nuevo escenario socioeconómico ha provocado un alarmante aumento de la pobreza y las desventajas sociales, que afectan principalmente a las mujeres, a las personas no blancas, a la zona oriental del país y, más trágicamente, a los ancianos.
Mayra Espina, socióloga cubana, lo denomina "la reforma incompleta". Cerca del 20% de la población tiene más de 60 años y cada día es mayor el número de personas solas, sin recursos propios, mientras el gasto público asistencial se ha reducido drásticamente: si en 2008 fueron 328.000 individuos los que recibieron pensiones sociales, en 2013 solo alcanzaron a 170.674. María, de 92 años y sin familia, recibe 147 pesos (seis euros) al mes. Vive gracias a la solidaridad vecinal y a la amistad.
La emigración es otra de las estrategias femeninas para buscar ingresos y oportunidades, especialmente para su prole. Entre 2000 y 2010, más de medio millón de cubanos salieron del país. Laly, graduada en Economía, reconoce que su tierra se está quedando sin jóvenes. "Temo por mis hijos, que son de una generación que ya no se conforma con la recompensa moral. La juventud quiere conocer el mundo, desarrollar su capacidad, dar un sentido propio a su vida. Y para eso aquí hay muchísimas limitaciones", reflexiona. "Se cree que los cambios profundos llegarán cuando se elimine el bloqueo, y no: aquí hay un autobloqueo terrible también. Las reformas desde arriba son positivas pero sigue habiendo mentes y estructuras ineficaces a nivel intermedio que dificultan las verdaderas transformaciones". Quien habla es Niuska Miniet, cantautora y propietaria del restaurante Decamerón, uno de los más antiguos 'paladares' [restaurantes montados y dirigidos por cuenta propia] de La Habana. "Inaugurado en enero de 1995, tres años después me lo cerraron y estuve en una disyuntiva muy grande: irme o no del país. Decidí quedarme y seguir trabajando de manera ilegal durante 14 años más, hasta 2009, cuando volvieron a dar licencias. Lo hice sin afán de desafiar a nadie, sino con el de la supervivencia, desde el derecho que toda persona tiene a vivir. Ahora cumplimos 20 años, y el reto es seguir creciendo con alegría y ayudando al país".
Pese a tanta dificultad, no cesan las iniciativas formales e informales que crean nuevos discursos y aperturas al conocimiento en clave femenina. Mirta R. Calderón, reconocida periodista y una imprescindible de la Revolución y de la historia reciente del feminismo cubano, impulsó en 1993 el grupo Magín, espacio de aprendizaje y reflexión compuesto por mujeres comunicadoras sociales y otras profesionales que introdujeron la categoría de género en el análisis social y propuestas muy valiosas para abordar la discriminación femenina. La herencia de esa hermosa, valiente y truncada iniciativa puede verse en trabajos en diferentes ámbitos, como el Proyecto Palomas, productora de audiovisuales para el activismo social dirigida por Lizette Vila.
El 17 de diciembre de 2014 fue una fecha histórica para la normalización de las relaciones diplomáticas entre Cuba y EEUU. La sociedad cubana vive el deshielo político con el poderoso vecino entre la esperanza de una mejora económica a corto plazo y el escepticismo por la previsible lentitud en los cambios. Sí hay consenso en la alegría por el cese de la intransigencia política desde ambas orillas, lo que permitirá aliviar el dolor de tantas familias divididas por la ideología y la crisis económica.
Niuska, que conoce el 'mundo desarrollado', concluye: "Ojalá podamos prosperar sin perder la alegría de vivir y nuestro compromiso. He visto mucha aridez ahí fuera, con tanto desarrollo tecnológico que cada vez aísla más a las personas. Es malo no tener internet (Cuba tiene la tasa más baja de acceso de América Latina) porque te privas de cosas importantes, pero quizá por eso aún no hemos perdido la comunicabilidad, el encuentro de verdad. Ese nivel de vacío personal ahí fuera... No quiero un futuro así para mi Cuba bella".
Como prueban sus propias palabras, Edvard Munch (Loten, 1863-Ekely, 1944) abogó por un arte en el que el sentimiento indefectiblemente turba la vista. El filtro emocional inunda de color y de fuerza sus lienzos. Las escenas, siempre figurativas y narrativas —con historias y personajes— se transforman. Y el arrebato establece un potente vínculo con el espectador: atrás queda el plano objetivo, llega el ensalzamiento de lo subjetivo sin disimulo y con una notable carga de sentida sinceridad. Fue criticado y ridiculizado por críticos que clamaban que sus cuadros arañados no estaban acabados. Él, incluso ya en la madurez y plenamente consagrado, montaba sus estudios al aire libre; le gustaba el efecto que la naturaleza y los elementos podían tener sobre los lienzos.
La conexión que Munch trataba de establecer con el público no apela simplemente a la reproducción de ese mundo exterior común a todos, sino que busca el nexo en el crudo sentimiento, la angustia o la pasión que todo ser humano ha padecido. A golpe no sólo de pincel sino de pluma, en miles de cartas, en notas, aforismos, apuntes, versos y algún que otro relato, el icónico y prolífico artista noruego trató también de explicarse y defender su postura.
Este otoño ambas vertientes de Munch, la pictórica y la literaria, cobran un nuevo impulso. A la exposición Arquetipos en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid —que reúne desde el 6 de octubre hasta el 17 de enero cerca de 80 obras del artista noruego y ha sido organizada conjuntamente por el Munchmuseet de Oslo—, se suma la publicación por primera vez en castellano de una antología de sus escritos en El friso de la vida (Nórdica).
"La escritura fue muy importante para Munch. Sintió la necesidad de expresarse por este medio, algo que resulta evidente a la vista de la cantidad de material que legó y el cuidado que puso en que no se perdiera", explica por correo Hilde Boe, autora del prólogo de El friso de la vida y directora del archivo digital del Munchmuseet. A pesar de sus frecuentes viajes el pintor guardó sus apuntes. Rara vez fechaba sus textos, usaba los mismos cuadernos para escribir y dibujar a veces durante décadas. Su tía Karen y su hermana Inger le ayudaron a conservarlos, como prueba la larga correspondencia que mantuvo con ellas. La publicación en la Red —en noruego y alemán— del conjunto del archivo del artista dentro del proyecto emunch arrancó en 2011 y ya permite acceder a un 60% del material. El libro Cuadernos del alma (Casimiro), aparecido en septiembre, reúne una selección tomada de esta web.
"Ahora sus escritos están jugando un papel muy importante en la preparación de las exposiciones que sobre su obra se están realizando", añade Boe. Por ejemplo, en la muestra Munch: Van Gogh que este otoño, tras su paso por Oslo se ha instalado en Ámsterdam. La exposición enfrenta por primera vez la obra de los dos pintores que nunca llegaron a conocerse personalmente, aunque fueron contemporáneos y compartieron una aproximación similar al lienzo. Algo de lo que el noruego era claramente consciente:
El horno del infierno del alma – es extremadamente agresivo para los sistemas nerviosos (P[or ejemplo] Van Gogh…) (En parte yo mismo)
La celebración del 150 nacimiento de Munch en 2013 consolidó la nueva etapa que venía cuajándose desde los años noventa en torno al estudio de su obra. El pintor, cuya prolífica e intensa obra había quedado en buena medida sepultada por El grito —más exactamente por los cuatro gritos que pintó en el plazo de 17 años— , resurge con fuerza. Nuevos matices se añaden, como capas de pintura, a la leyenda del artista hipersensible, enfermo y atormentado.
En la infancia Munch perdió a su madre y a una hermana por tuberculosis y se crio junto a su padre médico, estricto y devoto cristiano. A los 17 años escribió en su diario que había decidido hacerse artista y efectivamente se entregó a la bohemia y al alcohol, frecuentó a escritores como Hans Jaeger y gracias a una beca se instaló en París en 1899 durante tres años, y poco después en Berlín.
Vivió turbulentas pasiones llenas de celos y desespero, que culminaron en una bronca fatal con Tulla Larsen en la que Munch disparó una pistola y se mutiló un dedo. En 1905 ingresó en un sanatorio mental después de sufrir una crisis nerviosa y volvió a ser internado tres años después. Fue definido por el poeta Strindberg como "el pintor esotérico del amor, de los celos, de la muerte y de la tristeza". En sus cuadros hay angustia, dolor, mujeres vampiro.
