Arte a pedir de Boca para escapar de la amargura

a globalización, la economía, la política, el tiempo, la acumulación o los autoritarismos se ponen en duda en una docena de obras de tres artistas procedentes de la India que se autoproclaman agentes filosóficos provocadores. RAQS Media Collective se piensa como un laboratorio de pensamiento, y hoy inaugura su primera muestra en la Argentina llamada Es posible porque es posible, en Fundación Proa, con instalaciones, objetos, performance y multimedia.

 

RAQS está integrado desde hace más de veinte años por los artistas Jeebesh Bagchi, Mónica Narula y Shuddhabrata Sengupta. La clave de su trabajo es lo que ellos denominan contemplación política, y para eso también han fundado un instituto en Nueva Delhi, Sarai. La muestra está curada por Ferran Barenblit y Cuauhtémoc Medina, directivos de las dos instituciones que colaboraron con Proa, el Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid (CA2M) y el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de México (Muac). "Son artistas, cineastas, filósofos, educadores y activistas. Establecen un punto de cuestionamiento muy informado, con erudición y refinamiento. Esta exposición es el primer intento de hacer una revisión de su trabajo para el mundo de habla española", dice Medina.

Lo primero que se ve al entrar en la sala es un rinoceronte tamaño natural con silla de montar y decorado como las manos de una novia con pintura de henna. "Evoca un famoso grabado de Durero, que registró -sin que Durero lo haya visto- el regalo de un rey de la India al rey de Portugal, que, para desgracia del rinoceronte, murió en el trayecto. Pero esa imagen de Durero fue la primera de un rinoceronte en Occidente. Un elemento significativo de los momentos de intercambio precoloniales, un envío de buena voluntad", explica. La escultura fue hecha para una muestra en Portugal, para completar aquel gesto quinientos años después. Más allá se ven un pizarrón lleno de palabras del mundo de la economía y los relojes que en vez de las horas marcan estados de ánimo: ansiedad, deber, culpa, apatía, asombro, fatiga. "Nuestra experiencia del tiempo es uno de los principales operadores de la cultura y la economía", señala Medina.

 

Pero quizá la pieza que más los represente sea el Bureau de RAQS y FAQS, dos escritorios donde dos personas especialmente preparadas responden diferentes tipos de preguntas: FAQS, frequently asked questions (preguntas frecuentes), y las que dan nombre al grupo, rarely asked questions (preguntas poco frecuentes), aunque raqs también es una palabra usada en persa, árabe y urdu para definir un estado de meditación. "Es un pequeño consultorio de autoayuda compartida", dice Medina.

Forensic es en cambio bien fáctica: imágenes satelitales, reconstrucciones 3D, videos y fotografías se constituyen en pruebas aportadas a tribunales de justicia, y buscan esclarecer crímenes en zonas de conflictos políticos y sociales contemporáneos. "La verdad es un proyecto común en permanente construcción", dice Eyal Weizman, investigador principal del equipo de arquitectos, urbanistas, artistas y cineastas alojados en la Universidad de Goldsmiths, en Londres, y de una red de especialistas dispersos en el mundo, a la que se sumó la curadora argentina Rosario Güiraldes. "Es importante esta muestra en la Argentina, porque la ciencia forense como práctica política dirigida a resolver crímenes del Estado comienza en el país en 1984, con el Equipo Argentino de Antropología Forense", detalla.

 

El programa Contemporáneo, coordinado por Santiago Bengolea, ofrece una bocanada de aire fresco. Tres instalaciones curadas por Pablo Caligaris proponen aproximaciones al vacío. Carolina Magnin desvanece recuerdos, Gaspar Acebo llena el hueco de la escalera con un globo de papel y Fabián Nonino evoca memorias de inmigrantes. Todas las muestras apuntan a lo mismo, explica Medina: "No permitirles a las estructuras de violencia, idiotez, la represión y autodestrucción cumplir su cometido con los vivos... no dejar que nos amarguen".

Nueve espacios con vista al río

Por primera vez, los circuitos de arte a puertas abiertas de Gallery Day llegan a La Boca, y lo hacen un sábado, cuando hay menos tránsito y apuro. Con buen pronóstico de tiempo y de visitas, entre las 15 y las 18, nueve espacios ofrecen pasar una tarde con arte, buena música a cargo de Opus Trío y la Orquesta Académica del Teatro Colón e inauguraciones. Parten visitas guiadas cada media hora en Fundación Proa. También habrá servicio de traslado gratuito desde Recoleta, que sale hacia La Boca a las 14.30 en la esquina de Av. del Libertador y Callao.

El arte contemporáneo mira a Cáceres

Un centenar de artistas, comisarios, críticos, coleccionistas, directores de museos y 18 galerías de arte contemporáneo, españolas y portuguesas, se reunirán en Cáceres el próximo mes de octubre dentro de Foro Arte, la feria de arte contemporáneo conocida anteriormente como Forosur.

El certamen, que se celebrará del 23 al 25 de octubre, contará además con la presencia de nombres destacados como el pintor Antonio López, que el día 24 participará en un debate sobre las nuevas formas de entender la pintura. Compartirá mesa con los artistas Darío Urzay y Juan Ugalde. El encargado de moderar el encuentro será Antonio Franco, director del Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (Meiac) de Badajoz.

A modo de aperitivo, este fin de semana tendrá lugar el primer taller del programa. Lleva por título 'El color del cuerpo, Selfie Art' y se impartirá en el espacio Belle Artes de la calle Donoso Cortés. Además, algunas exposiciones permanecerán abiertas hasta finales de noviembre, según explicaron ayer las comisarias de Foro Arte, Rosina Gómez Baeza y Lucía Ybarra.

Antonio López participará el día 24 en un debate sobre las nuevas formas de entender la pintura

Dos grandes exposiciones

Foro Arte se desarrollará, principalmente, en espacios ubicados dentro de la Ciudad Monumental. La programación gira en torno a dos grandes exposiciones: 'Tercer espacio: entre tradición y modernidad' y 'Gabinete de Pintura. Presentar Batalla'. La primera de ellas presentará piezas de casi un centenar de artistas que forman parte de las colecciones del Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) y de la Fundación ARCO. La muestra invitará a los espectadores a recorrer y descubrir la ciudad y estará abierta en la sala El Brocense hasta el 15 de noviembre, en la Fundación Mercedes Calles-Carlos Ballesteros hasta el 22 de noviembre y en el Museo de Cáceres hasta el 29 del mismo mes.

Además, en los patios del palacio de los Condes de Adanero y en el del palacio de Hernando de Ovando se podrá disfrutar de las obras de los jóvenes artistas españoles Jacobo Castellano y Sara Ramos, que abordan la memoria personal y lo íntimo, temáticas muy adecuadas para la apertura de estos espacios domésticos privados al disfrute público. Los patios podrán verse el fin de semana del 23 al 25 de octubre.

La segunda gran exposición, 'Gabinete de Pintura. Presentar Batalla', está dirigida por Chema de Francisco y tratará de desvelar algunas de las claves del medio pictórico a través de más de una veintena de artistas de 18 galerías, de España y Portugal, en una muestra que reivindica una nueva generación de pintores que trabajan en la reformulación del concepto de pintura.

En este caso, la muestra se podrá contemplar entre el 23 y 25 de octubre en el Centro Cultural San Jorge (Escuela Superior de Arte Dramático de Extremadura) y en el Palacio Toledo Moctezuma (Archivo Histórico Provincial de Cáceres).

Duchamp burla el arte desde el cómic

Marcel Duchamp extenuó la vanguardia del siglo XX hasta sus últimas consecuencias. Le bastó tener una idea clara de lo que no era vanguardia. Y extrajo de la calle artefactos y objetos varios para descerrajar con ellos el blindaje de todas las teorías posibles: ruedas de bicicleta, urinarios, jaulas, huesos de sepia, planchas de metal, ovillos de lana. Qué más da. Se trataba de jugar, de enfriar la calentura vanguardista. O, mejor, de darle un fuego nuevo con materiales venidos del hielo. De esa forma de mirar antártica que prestan los objetos desnaturalizados. A eso le dio el nombre de ready mades.

Habla Duchamp hecho cómic: "Debe alcanzarse una indiferencia tal que el objeto no suscite ninguna emoción estética. Resulta bastante difícil elegir un objeto que nos resulte por entero indiferente, porque al cabo de dos semanas terminamos apreciándolo o detestándolo. La elección de los ready mades se sostiene en la indiferencia visual, a la vez que en la total ausencia de buen o mal gusto. El gusto, por así decirlo, es puro hábito. La repetición de algo ya aceptado. Yo rehúso la responsabilidad".

Al partir en dos la historia del arte contemporáneo, Duchamp (Francia, 1887-1968) quebró el belvedere del pensamiento estético. Y de eso trató su expedición, de avanzar sin rumbo cierto con la meta clara de no saber hasta dónde llega el pensamiento ni hasta cuándo dura la fuerza de cuestionar. Esta parte de su obra, de sus muchas preguntas abiertas, residen principalmente en su escritura, que es donde mejor se concreta el laberinto intencional de su descaro, de su valentía, de su risa, de su crítica.

Resulta difícil hallar molde para la aventura (interminable) de su idea del arte. Pero hay en su biografía (junto a sus gestos, actos, piezas y enigmas) algo que ayuda a poner luz en su sala de máquinas: la biografía. En este caso, el dibujante belga François Olislaeger (Lieja, 1978) se adentra en la selva de un modo nuevo. Repasando los pasos en la vida de Duchamp, pero dándole forma de viñeta. De cómic. De malabar de líneas y formas. El resultado es una gran escena circular que recorre el itinerario vital del ¿artista? (quizá es más apropiado decir médium, ¿pero entre quién y qué?). Desde el nacimiento hasta la muerte.

Todo en un dibujo sucesivo, dividido en secuencias hiladas, con un sentido cronológico y plegado al final como un fabuloso acordeón. Eso es en verdad un libro. Un fuelle de hojas. Presentado en forma de libro, Marcel Duchamp. Un juego entre mí y yo, editado en España por Turner, este trabajo tiene el calambre lúdico de su protagonista. Esa condición casi malabar del que cruza vida y obra con una necesidad de importura contagiosa. Con una vocación de verdad como el que nace en un susto.

"Dediqué muchos meses a preparar los datos de este cómic. A estudiar a Duchamp. A intentar acercarme. Una vez que tuve el material que requería lo más sencillo fue darle forma, dibujarlo", explica Olislaeger. "En ese ejercicio tardé sólo un mes".

- ¿Y por qué llevarlo a cómic?

- Es mi forma de decir las cosas. Y no es algo completamente ajeno a Duchamp. Hay alguna fotografía en la que se le ve leyendo un álbum. Además, junto a uno de sus hermanos, comenzó a dibujar en la prensa satírica a partir de 1906, en el Courrier Française y en Le Témoin. Esos son sus orígenes.

Nació en una familia que cuidó la vocación artística de sus cachorros. El hermano Jacques fue pintor y Raymond escultor. Marcel se instaló en París, en el Montmartre bohemio y garrafón del cubismo. Aquella atmósfera feliz y desaprensiva impregnó de algún modo su juventud alerta. Pisó algunos terrenos de la vanguardia con la misma cautela o agilidad con que los fue abandonando. Su vida era una fuga. Un escape. Un hallar del otro lado lo que nadie estaba buscando. "Después de estudiar lo que hizo y lo que aún supone creo que lo mejor de su obra fue el uso del tiempo, de su tiempo. Duchamp lo empeñó todo en sí mismo. Hasta sus muchos silencios", sostiene Olislaeger.

En tiempos de confusión y desoriente, Marcel Duchamp se aupó como una baliza capaz de dar cuenta de todo lo improbable que cabe en el probable mundo del arte. Él creía que mejor que explicar las cosas es mostrarlas. Aunque él preparó en paralelo a cada pieza un sustancioso epistolario dando cuenta a familiares y amigos de cada obra y sus motivos. Además de las entrevisats que concedió, de los libros de conversaciones y de los propios textos. «El arte tiene la bonita costumbre de echar a perder todas las teorías artísticas», decía.

La leyenda generada por él mismo alrededor de los ready mades, los Étant Donnés y El gran vidrio han enmudecido a veces el incalculable itinerario y desafío de Marcel Duchamp. "Por eso en este cómic he querido dejar la secuencia completa de su vida, siempre alrededor de una acción o de una nueva obra", explica el autor. Y no olvida que era un hombre de grandes momentos de soledad y que el ajedrez es la cuerda del reloj de sus días. No sólo el ajedrez como juego, sino como un modo de atomizar el mundo. "Se trata de un tipo de belleza parecido al que ofrece la poesía: las piezas son el alfabeto mayúsculo que da forma a los pensamientos", le gustaba decir.

Olislaeger desarrolla aquí un cómic de dibujo intenso, de páginas abocetadas, de planos que se cortan, de escenas que su suman unas a otras. En blanco y negro. "La elección del color está motivada con que eran los de Dadá por influencia de la vanguardia rusa", sostiene el autor. Todo armado con un texto que va dando sentido a cada secuencia y va revelando a un Duchamp que habla en primera persona, que exhibe sus desengaños, sus dudas, sus obligaciones, su pasión por las mujeres. Su excentricidad tan concentrada. "Apollinaire había escrito de mí: 'Quizá le esté reservada a un artista tan despojado de preocupaciones estéticas, tan preocupado por la energía como Marcel Duchamp, la tarea de reconciliar el arte con el pueblo'... Qué risa. ¡Apollinaire decía muchas tonterías! Pongamos que alguna vez intuyese por dónde iba yo, ¡pero reconciliar el arte con el pueblo...!".

París, Nueva York, de nuevo Francia... El nacimiento, la muerte. El deambular anónimo. El éxito. El rechazo primero, el apluaso total. La denuncia de la petulancia artística, el humor como antídoto (lo que aprendió en Jules Laforge). La cristalización de la dolescencia que fue su vida tomada por un juego. La importancia de los amigos. Y de los periodos de desaparición. El juego de pseudónimos. La despersonalización. La Mona Lisa con bigote. Una ampolla con aire de París. La manifestación Dadá. Los mensajes telepáticos de Rrose Sélavy (una de sus creaciones). Vivir y respirar. Todo esto es la novela gráfica de Olislaeger. Todo esto cabe dentro de ella.

"Cada segundo, cada respiración es una obra que no queda inscrita en ningún lado, que no es visual ni cerebral. Una especie de euforia constante", escribió Duchamp. El reconocimiento, incluso el éxito, le pilló en Nueva York. Allí algo hubo de revelación. Todo era más posible. Cuando alguien preguntaba qué era exactamente Duchamp él se definía con precisión quirúrgica: "Nunca he dejado de ser un pintor". Aunque lejos de la pintura.

"El siglo XX no se ha recuperado de Duchamp", apunta François Olislaeger. Quizá lo que llevamos de XXI, tampoco."Sigue siendo un visionario que está entre nosotros. Es el gran espectro del arte contemporáneo. Una presencia que sigue ahí, burlando el tiempo y ordenando el arte".

Atravesó unos años convulsos: Primera Guerra Mundial, el viaje a Estados Unidos, la mecanización, el Crack del 29, la Segunda Guerra Mundial... "Y en medio de ese paisaje él se dedicó a abrir y cerrar puertas. Fue su gran misión. Por eso esta novela gráfica comienza con Marcel Duchamp abriendo una puerta y acaba con él cerrando otra cuando la muerte llega", apunta el autor.

La lección de Duchamp, tan extravagante, se podría resumir en una certeza elemental: las ideas nos dicen menos sobre cualquier individuo que las cosas que usa. Un botellero. Un maniquí. Un metro de medir. Un alfil

Pequeño glosario para acercarse al arte

Cuando vaya a Artbo, es probable que se encuentre con fichas técnicas o textos que hablan de Happenings, serigrafías, o que le cuenten que una obra fue una de las primeras de Arte Concreto, por nombrar un ejemplo. Si no está familiarizado con estas palabras, esta selección de términos puede ayudarle a la hora de acercarse a una obra o movimiento artístico. Sin embargo, recuerde que para apreciar el arte no necesariamente hay que ser un experto en el tema sino abrir sus sentidos.

Abstracción: Toda forma de expresión que no busca representar de con exactitud un objeto, una persona, planta, o animal, paisaje, etcétera. Por el contrario, toda corriente abstracta se centra en aspectos como el color o la estructura, para hablar de temas que pueden ser espirituales o aludir a la naturaleza o al razonamiento. Ejemplos de arte abstracto en nuestro país son las obras de Ómar Rayo, Édgar Negret, Eduardo Ramírez Villamizar, entre otros.

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Arte cinético: obras de arte que involucran el movimiento en sus obras. Puede tratarse de un movimiento por motores, poleas u otro tipo de mecanismos, o una ilusión de este.

Arte conceptual: es aquel en el que prima un concepto o idea, más que el objeto. El arte de este tipo se puede tratar de actos en el espacio público, videos, instalaciones, objetos encontrados y que son transformados en arte, registros históricos o una mezcla de todas las anteriores.

Arte concreto: El término fue acuñado en 1930 por Van Doesburg en su manifiesto “Arte Concreto”. En este, el pintor, arquitecto y poeta nacido en los Países Bajos en 1883, afirmaba que cualquier manifestación abstracta debía estar desligada de cualquier asociación con la realidad. Las formas, principalmente líneas y figuras geométricas predominan sobre el color.

Arte Moderno: movimientos de artistas que buscaron desligarse del modelo tradicional o academicista del arte. Entre los que abogaron por esta ruptura se encuentran el Impresionismo, Expresionismo, Cubismo, Surrealismo, Neoplasticismo y Expresionismo Abstracto.

Arte Óptico: Movimiento que nació a finales de los 50 y que, haciendo uso de efectos del color crea ilusiones ópticas que , que por medio de composiciones dinámicas y efectos cromáticos crea ilusiones ópticas que dan la ilusión del movimiento, como el efecto Rubin o moaré, que a partir de líneas, puntos y colores engaña al ojo.

Arte Pop: Uno de los movimientos artísticos que surgió entre 1950 y 1960 en Estados Unidos y Gran Bretaña. Su insumo principal es todo lo relacionado con la cultura popular y de consumo, como la música pop, los comerciales y la publicidad. Nombres clave: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Peter Blake, entre otros.

Arte visual: como se le denomina a toda producción de las artes que involucra el sentido de la vista. Aquí caben la fotografía, la pintura, el grabado, la instalación, el video, el cine, etcétera.

Catálogo razonado: libro monográfico en el que se consignan todas las obras de un artista e información sobre cada una de estas: título, fecha, técnica, formato, etcétera. También puede referirse a una técnica particular.

Collage: del término francés que significa pegar, es eso, una obra hecha a partir de trozos recortados de materiales como el papel, tela, cartón.

Estética: Del griego aisthesis (lo relativo a las sensaciones), en teoría del arte es la rama filosófica que indaga sobre la percepción de lo bello y lo feo.

Fauvismo: todas las obras producidas por artistas como André Derain o Henri Matisse, entre 1905 y 1910. Se caracterizan por tener un interés en teorías del color desarrolladas en el siglo XIX, sobre todo los colores complementarios.

Formato: todo lo referente a la dimensión de una obra de arte: ancho, alto y profundidad. Este último aspecto aplica en el caso de obras tridimensionales. Se suele hablar de pequeño, mediano y gran formato.

Grabado: una de las técnicas más antiguas en la historia del arte, se realiza en madera y metal, entre otros materiales, para obtener un dibujo a partir de incisiones sobre estas superficies las cuales, se imprimen sobre un papel o superficie para obtener la imagen.

Grafiti: crear imágenes o mensajes en fachadas de edificios, estaciones de trenes y para el que se utiliza principalmente spray. Suele realizarse de manera clandestina y espontánea. Sus orígenes se remontan a Nueva York, en los 70.

Gouache: es una técnica similar a la acuarela, se le conoce como témpera y se diferencia de la primera por su textura, que es más similar al óleo, y que da efectos nacarados al secarse.

Happening: precursora del performance, es una manifestación que emergió de movimientos como el dadá y el surrealismo. La primera persona que usó este término fue el estadounidense Allan Kaprow, en 1959, cuando realizó el proyecto ’18 Happenings en 6 partes’. Se caracteriza porque incluyen elementos como luz y sonido y la participación de espectadores.

Hiperrealismo: obras en pintura, dibujo y escultura que por su nivel de precisión y detalle ofrecen una visión muy parecida a la que daría una fotografía.

Instalación: se trata de toda obra que se inscribe dentro de un espacio y que lo transforma. De ahí que muchas veces tengan en cuenta el lugar donde se realice y se produzcan únicamente para dicho espacio. Aquellas que no se pueden replicar sino solo en determinado lugar se les conoce como obras Site Specific.

Kitsch: el arte que se considera exagerado o de mal gusto.

Mural: Dibujos o composiciones que se realizan sobre un muro. Pueden estar hechas en acrílico, cerámica y otros materiales.

Performance: manifestación artística que puede tener danza, teatro, música, videoarte o artes visuales, o combinar varias de estas. Aquí, el artista es el elemento principal. Suelen ser provocadoras y transgresoras.

Ready-made: acto de tomar objetos cotidianos y darles un nuevo significado, al utilizarlos de forma distinta a lo que fueron diseñados en un principio. El ejemplo clásico de la Rueda de bicicleta de Marcel Duchamp.

Sanguina: dibujo hecho con lápices de color ocre o rojos.

Serigrafía: como el grabado, reproduce una imagen. En este caso, lo hace a través de una malla tensada en un marco. Las áreas por las que no debe pasar la tinta son bloqueadas con una emulsión especial.

Surrealismo: definido por André Bretón, escritor francés, es un movimiento que comenzó en la década de los 20 en París. Se manifestó en el arte como en la escritura, basándose en los sueños como una manera de conocer cómo funciona el pensamiento, o en el automatismo, o asociación libre.

Técnica mixta: cuando en unas obras se combinan varias técnicas.

Video arte: utilización de recursos visuales y audiovisuales que no necesariamente tiene un guion, ni se rige de los parámetros del cine o la TV, sino que se centra en la exploración de la imagen o de un tema específico.

Video instalación: obras que combinan tanto instalaciones como video y que generan atmósferas y efectos en el espectador. Artistas como Graciela Sacco (Argentina) y Clemencia Echeverri (Colombia), hacen uso de esta forma de expresión en su trabajo artístico.

Work in progress: (trabajo en proceso), son obras o proyectos que toman un lapso considerable en ser terminadas, y se centran en el proceso de creación más que en el resultado final.

Fuentes: Museo Claudio Jiménez Vizcarra, Museo de Arte Contemporáneo de Chile, Museo de Arte Moderno de Nueva York. Tate, Glosario de Artes Visuales y Nuevos Medios, Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, Gobierno de Chile.

Artista del grafiti llega a Honduras a capacitar a jóvenes

egucigalpa, Honduras.

El artista del grafiti, Isaias Crow, está en Honduras invitado por la Embajada de los Estados Unidos y el Programa de Arte en las Embajadas con el objetivo de que imparta talleres a jóvenes.

Durante su visita pintará dos obras que serán parte de la colección de “Art in Embassies” que patrocina el Departamento de Estado.

Crow es un artista de grafiti de San Diego, California, quien ya estuvo en Honduras en agosto del 2012 como enviado cultural. Del 23 al 25 de septiembre a un grupo de 15 estudiantes en el Salón de Usos Múltiples del CISE en la Universidad Nacional Autónoma de Honduras en Ciudad Universitaria y el domingo 27 de 2:00 a 4:00 p.m. en el Museo para la Identidad Nacional (MIN) en el Paseo Liquidámbar.

El Programa Art in Embassies (AIE, por sus siglas en inglés) juega un papel importante en promover la diplomacia pública fomentando un diálogo intercultural a través de del intercambio dinámico de las artes visuales y los artistas estadounidenses y locales.

El Museo de Arte Moderno visualizó este programa de arte global por primera vez en 1953, y el Presidente John F. Kennedy lo formalizó con el Departamento de Estado en 1963.

Actualmente AIE es una alianza público-privada que involucra a más de 20,000 participantes a nivel mundial, incluyendo artistas, museos, galerías, universidades y coleccionistas privados, en más de 200 instalaciones en 189 países.

Curadores profesionales preparan alrededor de 60 exhibiciones al ano, y desde el 2000, más de 58 colecciones permanentes han sido instaladas en edificio diplomáticos del Departamento de Estado alrededor del mundo.

Sexta Bienal de Arte de Beijing abrirá mañana

La Sexta Bienal Internacional de Beijing 2015, que se inaugurará mañana, supera en esta ocasión a las anteriores tanto en el número de participantes como en las obras a mostrar, dijeron hoy organizadores.

En conferencia de prensa en el capitalino Museo Nacional de Arte de China, los patrocinadores del evento que estará abierto al público desde este jueves y durará hasta el próximo 15 de octubre, aseguraron que por primera vez la muestra abarca toda la línea de exposiciones del recinto de presentación.

Bajo el tema de 'La memoria y el sueño', el Museo exhibirá en total 685 piezas de arte de las cuales 188 obras pertenecen a autores chinos y 497 de otros países.

La Bienal de Beijing sirve como una plataforma para demostrar memorias históricas y culturales de diferentes países y expresar expectativas y aspiraciones para el futuro por medio del arte.

Desde su fundación en 2003, esta cita ha exhibido pinturas y esculturas contemporáneas de todo el mundo. La Bienal es un evento reconocido por artistas a nivel mundial y es la mayor plataforma de su tipo de esta capital.

Este año, más de 200 artistas participarán en la ceremonia de inauguración de la Bienal, simposios y otras actividades.

Esta Exposición es catalogada por artistas extranjeros como el pivote de la pintura moderna internacional y la escultura en China y otros consideran que construirá un puente entre Oriente y Occidente y un equilibrio entre la tradición y lo moderno. (I)

ARTBO 2015 del 1 al 4 de octubre en Corferias

Un total de 84 galerías de 33 ciudades del mundo participarán en esta edición de ARTBO, Feria Internacional de Arte de Bogotá, de las cuales 69 estarán en la sección Principal y 15 harán parte de Proyectos. Los espacios participantes son el resultado de una cuidadosa selección que asegura una muestra refrescante y diversa, que equilibra lo establecido con lo emergente, y que reúne obras de medios tan variados como pintura, escultura, fotografía, instalación y registros de performance.
Este equilibrio asegura que la feria mantenga su cuidadoso modelo que se enfoca en la calidad, y que la ha consagrado como el evento de artes plásticas de más alto impacto nacional y una feria sin igual a nivel mundial.

Sección Principal

La sección Principal cuenta con una sólida oferta, a través de la participación de galerías de ciudades como Ámsterdam, Berlín, Bogotá, Bolonia, Buenos Aires, Cali, Caracas, Ciudad de Guatemala, Guadalajara, Guayaquil, Houston, La Habana, Lima, Londres, Los Ángeles, Madrid, Medellín, México D.F., Miami, Milán, Montevideo, Nueva York, París, Río de Janeiro, Santa Cruz de la Sierra, Santander, Santiago de Chile, Sao Paulo, Sevilla, Stuttgart, Valencia, Vigo y Zúrich.
Dentro de esta selección es destacable la llegada de 19 nuevas galerías, así como la presencia por primera vez en la feria de países como Guatemala y Uruguay. Estos dos últimos países completan la selección de 45 galerías latinoamericanas dentro las que se destacan 15 colombianas.
Argentina, Brasil, Colombia, España, Estados Unidos y Perú son los países que más representación tendrán en esta edición de ARTBO.
Este año el Comité de Selección compuesto por directores de destacadas galerías a nivel mundial y encargado de elegir a las galerías participantes en esta sección está conformado por Elba Benítez de Galería Elba Benítez (Madrid, España), Eduardo Brandao de Vermelho (Sâo Paulo, Brasil), Ignacio Liprandi de Ignacio Liprandi Arte Contemporáneo (Buenos Aires, Argentina), Beatriz López de Instituto de Visión (Bogotá, Colombia), Alex Mor de mor-charpentier (París, Francia –Bogotá, Colombia) y María Eugenia Niño de Galería Sextante (Bogotá, Colombia), quienes escogieron las propuestas de mejor calidad y mayor diversidad para ofrecer una muestra amplia y equilibrada que reúne una oferta de lo mejor del arte moderno y contemporáneo con una selección de galerías que responde al pulso actual del arte a nivel mundial.
En la sección Principal participan algunas de las galerías más reconocidas a nivel mundial como: Galerie Barbara Thumm y Galerija Gregor Podnar de Berlín; Luciana Brito Galería y Luisa Strina de Sao Paulo; Maisterravalbuena y Moisés Pérez de Albéniz de Madrid; Ruth Benzacar Galería de Arte y Henrique Faria de Buenos Aires; Prometeo Gallery de Milán; Galerie Peter Kil chmann de Zúrich; Josée Bienvenu y Leon Tovar de Nueva York; y Sicardi Gallery de Houston. Participan también Galerías emergentes como Arredondo \ Arozarena de México D.F.; NoMÍNIMO de Guayaquil y SlyZmud de Buenos Aires, junto a galerías con propuestas de vanguardia que representan algunas de las propuestas más atrevidas de la feria, entre ellas Alarcón Criado de Sevilla; espaivisor de Valencia; Document Art de Buenos Aires; Galería Jaqueline Martins de Sao Paulo P420 de Bolonia; y Proyectos Ultravioleta de Ciudad de Guatemala.
Estas galerías comparten una preocupación por integrar a su modelo comercial programas de investigación, desarrollo de artistas y creación de proyectos in situ, lo que las lleva a ser referentes artísticos en sus lugares de origen y a nivel internacional.

GALERÍAS

¿Dónde y cuándo?

 

Fecha: del 1 al 4 de octubre
Lugar: Corferias
Precios: Boletería general
$ 35.000
Boletería estudiantes con carné
$ 15.000
Niños menores de 10 años
Entrada Gratuita

Turismo.- La capital celebra este domingo el Día Mundial del Turismo con visitas guiadas a monumentos y museos

   Málaga capital volverá a celebrar el próximo domingo 27 de septiembre el Día Mundial del Turismo con jornadas de puertas abiertas y visitas guiadas a monumentos. Una jornada instaurada por la Organización Mundial del Turismo que pretende, de forma lúdica, incidir en la importancia de esta industria así como en sus valores sociales, culturales, políticos y económicos.

El lema escogido este año por la OMT para conmemorar esta jornada especial es 'Mil millones de turistas, mil millones de oportunidades', con el que se intenta poner de manifiesto la enorme contribución que hacen los turistas en todo al desarrollo comunitario.

En Málaga, los ciudadanos y visitantes que lo deseen podrán participar de forma totalmente gratuita en las visitas guiadas que celebrarán el Centre Pompidou Málaga, la Colección del Museo Ruso de San Petersburgo, la Casa Natal de Picasso, el Museo del Patrimonio Municipal (MUPAM), el Museo del Vidrio y el Cristal, el Museo Revello de Toro, el Museo Jorge Rando, el Museo Interactivo de la Música (Mimma), el Museo de las Cofradías, el Museo de la Archicofradía de la Esperanza, el Castillo de Gibralfaro, la Alcazaba, el Teatro Romano, el Cementerio de San Miguel y el yacimiento arqueológico de La Araña. También realizará visitas guiadas, en este caso con un precio simbólico de un euro, el Jardín Botánico-Histórico de La Concepción.

Las visitas guiadas a estos puntos de interés turístico y cultural se realizarán en diferentes idiomas durante todo el día en horarios que se pueden consultar en la página web www.malagaturismo.com. Además, para informar a los turistas y visitantes de las diferentes actividades programadas, el Área de Turismo ha editado expresamente para esta ocasión 12.000 folletos con toda la información necesaria y que se han repartido en las oficinas turísticas de las principales localidades de la provincia y en establecimientos hoteleros de la Costa del Sol.

APERTURA EL DOMINGO

Además de las visitas guiadas, el domingo permanecerán abiertos de forma totalmente gratuita el Museo Picasso, el Centre Pompidou, el Centro de Arte Contemporáneo (CAC), la Colección del Museo Ruso de San Petersburgo, el Museo Carmen Thyssen, la Casa Natal de Picasso, el Museo del Patrimonio Municipal (MUPAM), el Museo Catedralicio, el Museo Revello de Toro y el Museo Unicaja de Artes y Costumbres Populares.

También estarán abiertos el Museo Jorge Rando, Ars Málaga-Palacio Episcopal, el Museo de las Cofradías, el Centro de Arte de la Tauromaquia-Colección Juan Barco, el Museo Nacional de Aeropuertos y Transporte Aéreo, el Museo de Arte Flamenco-Peña Juan Breva, el Castillo de Gibralfaro, la Alcazaba, el Museo de la Cofradía del Santo Sepulcro, el Museo de la Cofradía de Estudiantes, el Museo de la Archicofradía de la Esperanza, el Museo del Cautivo y la Trinidad, el Cementerio Inglés, el cementerio de San Miguel, el Teatro Romano y el Jardín Botánico-Histórico de La Concepción.

Il Volo alcanza la madurez con su nuevo disco "Grande amore

El trío italiano de ópera pop Il Volo lanza su nuevo disco Grande amore, una colección de canciones inéditas y clásicos con el que sus integrantes buscan demostrar que ya no son los adolescentes que saltaron a la fama hace unos años.

Ignazio Boschetto y Gianluca Ginoble, de 20 años, y Piero Barone, de 22, aseguran que su tercer álbum de estudio muestra la madurez de sus voces líricas y la búsqueda de un repertorio con canciones propias de música clásica fusionada con pop, un estilo popularizado por Il Divo o Andrea Bocelli.

El disco sale a la venta este viernes en sus versiones en italiano y español, con la mira puesta en el mercado latinoamericano, uno de los más importantes para el grupo, señalan sus integrantes.

"Muchas cosas cambiaron. Crecimos físicamente, profesionalmente. Las voces cambiaron, son más maduras y hay muchas canciones nuevas, canciones inéditas", explica Ginoble durante una entrevista con la AFP, en la que afirma tajantemente que Grande amore es el "mejor álbum que (han) grabado".

"Con este álbum yo pienso que (aflora) la personalidad de Il Volo. Cuando terminas de escuchar Grande amore tú puedes decir que eso es Il Volo", dice Barone, quien viste sus característicos grandes anteojos rojos de pasta.

Desde que el trío se formó y sacó su primer disco a fines de 2010, luego de que los integrantes participaran por separado en el programa de talentos en Italia Ti lascio una canzone, no ha dejado de ganar premios y de realizar giras por Europa, América Latina y Estados Unidos.

Fueron sus fans quienes pidieron más canciones inéditas.

"La razón por la cual hemos grabado las canciones nuevas como El amor verdadero o Si me falta tu mirada, es porque ellos ahora piden canciones nuevas de Il Volo y nosotros queremos ampliar nuestro repertorio", explica Barone.

Eso no quiere decir que olviden los clásicos. Para el nuevo disco grabaron Volare, el tema popularizado por Domenico Modugno en la década de 1950 e interpretado luego por artistas como Frank Sinatra, Ella Fitzgerald o David Bowie.

El álbum fue producido por Emilio Estefan, quien en el pasado impulsó las carreras de artistas como Marc Antony, Jennifer Lopez y Ricky Martin, junto a Michele Torpedine, Celso Valli y Cheche Alara.

Con el primer sencillo del disco, Grande amore, los jóvenes ganaron en febrero pasado el Festival de San Remo y quedaron en tercer lugar en el de Eurovisión.

Para promocionar la nueva música, el trío comienza en enero un tour mundial, que lo llevará primero por Italia y Estados Unidos, para terminar en América Latina, donde está su "público más cálido".

"Hace dos años que no hemos estado en Latinoamérica, pero sabemos que siempre nos apoyan en las redes sociales, nunca nos abandonan", dice Barone.

Cantar en español "nos gusta mucho" porque "como idioma se parece al italiano, es romántico", señala Boschetto. También les ha valido éxitos, como el ganar en 2014 el premio Billboard a mejor álbum de pop latino y en 2011 recibir dos nominaciones al Grammy Latino.

El trío no oculta su deseo de seguir cosechando éxitos. "Así como el sueño de todos los actores es ganar un Oscar, el Grammy es lo que queremos ganar", dice Ginoble.

El arte de saber enseñar

 El IES de Celanova ha puesto en marcha una nueva forma de transmitir conocimiento a sus alumnos. Jóvenes de primero y cuarto de secundaria tardarán tiempo en olvidar quién es Bill Viola y qué ha conseguido con su obra. Su profesor de plástica, José Rivela, los retó a realizar su propio video artístico siguiendo la modalidad del americano. «’No parece muy complicado de hacer, también nosotros somos capaces’ me decían». José Rivela quería mostrarles que no era tan sencillo y que la complejidad se encontraba más allá de lo que se puede ver a simple vista. Sin embargo, con un pequeño empujón procedente del propio Viola, lo han conseguido y el resultado ha sido «Looking for Bill Viola», un corto elegido para estrenarse en el Festival Curtocircuíto el próximo 8 de octubrea las cinco de la tarde en el Centro de Arte Contemporánea santiagués.

Según cuenta el docente que ideó el proyecto, un día decidió ponerse en contacto por correo electrónico con el creador y, para su sorpresa, le contestó muy ilusionado con la propuesta. «Por supuesto, hubo un gran trabajo de documentación y preparación detrás. Dentro de lo que el curso académico nos permite, tuve que darles a conocer su trabajo. De rodaje realmente tan solo estuvimos una mañana», apuntaba Rivela. Bill Viola está considerado como una de las influencias más relevantes dentro del arte audiovisual. Es original de Nueva York, pero tanto por vía telefónica, correo electrónico como por skype el colegio de Celanova se mantuvo en constante contacto durante el pasado curso escolar. «Nos daba ideas, apoyo moral e incluso nos facilitó una parte de la música», narra el profesor con mucho entusiasmo. Desde luego, a través de este contacto virtual con el arte, los alumnos del IES aprendieron de cerca las tácticas de este movimiento. «Mucha gente me pregunta cómo es que nos atendió, ya que no suele hacerlo. Me imagino que le pareció interesante que un pequeño pueblecito, perdido en Galicia para él, tuviese curiosidad por su trabajo», explica el maestro.

Todo el proceso fue seguido por Bill Viola, quien recibía fotos y vídeos al tiempo en que iban adoptando forma los catorce minutos de narración. El «Picasso del siglo XXI» tiene una especie de fijación con los cuatro elementos fundamentales: tierra, viento, fuego y agua. A éste último le dedica siempre una especial atención y en «Looking for Bill Viola» se ha sabido plasmar esta inquietud a la perfección. Los actores, que son los alumnos del centro junto al propio profesor que decide sumergirse en una fuente de la zona, continúan la tendencia y enfocan sus escenas en la fobia por el elemento. Todo ello va dirigido a la experiencia vivida por Viola durante unas vacaciones con su familia en las montañas cuando casi se ahoga en un lago. Asimismo, fue el propio estadounidense quien describió el momento en el que el profesor de plástica se introduce en el agua, como «la representación más realística» de su vivencia.

Para seguir cosechando buenos resultados al mismo tiempo en el que consigue una mayor involucración por parte del alumnado, José Rivela ya tiene en mente nuevos colaboradores y proyectos para el futuro. Entre ellos, destaca el contacto establecido con un pintor colombiano instalado en Londres. Óscar Murillo es el nombre de una de las promesas entre los jóvenes talentos del panorama artístico mundial. «Tiene una historia grandiosa. Acabó Bellas Artes para empezar a trabajar en un taller de Londres y a día de hoy ya participa en galerías de arte de todo el mundo. Ese es el tipo de ejemplos que necesitan los chavales», asegura Rivela. Una forma de hacer llegar los conceptos a los jóvenes que permite una fijación mucho más estable que la tradicional.

Chile acoge la V Conferencia empresarial del Pacto Mundial

El próximo 28 de octubre, Chile acogerá la V Conferencia empresarial del Pacto Mundial, con el objetivo de proveer la plataforma para conocer el estado del arte que guarda el Pacto Mundial en la región.

Desde el 2011, el Centro Regional para América Latina y el Caribe en apoyo al Pacto Mundial de Naciones Unidas, instituyó el Foro Empresarial del Pacto Mundial en América Latina y el Caribe: Responsabilidad y Sostenibilidad, el cual tiene el propósito de conocer el estado del arte que guarda el Pacto Mundial en la región.

Desde la primera edición, la agenda del foro dedica una sección a buenas prácticas de referencia de los participantes del Pacto Mundial en la región con base en los diez Principios del Pacto.

Las cuatro primeras ediciones del foro se han realizado en México, Perú, Colombia y Argentina. Cada año, el Centro Regional trabaja con aliados estratégicos del país anfitrión para la organización del evento.

Chile es pionero en cuanto a la Sostenibilidad Corporativa. Las líneas temáticas son panorama económico de América Latina y el Caribe, derechos humanos y otras.

Cultura.- El estreno mundial del nuevo espectáculo de Farruquito cierra este domingo la IV Bienal de Flamenco

   La IV Bienal de Arte Flamenco de Málaga, que arrancó el pasado 17 de febrero, concluirá este domingo en el Teatro Cervantes de la capital con un lleno absoluto ya que están agotadas todas las entradas para el estreno mundial de TR3S Flamenco, espectáculo ideado, diseñado y protagonizado por los hermanos Fernández Montoya: Farruquito (Juan), Farruco (Antonio) y El Carpeta (Manuel).

   La bienal ha recorrido en estos meses casi una treintena de municipios a través de diversas actividades. En los 70 espectáculos, conciertos y recitales que se han celebrado han participado más de 200 artistas, sobre todo de las cuatro disciplinas flamencas: baile, cante, toque y percusión.

La gala de clausura ha levantado una enorme expectación, hasta el punto de que hace nueve días se agotaron todas las entradas, según han indicado desde la Diputación en un comunicado. Más de un millar de personas podrán así conocer la nueva propuesta flamenca de estos hermanos.

Los bailaores Farruquito, Farruco y El Carpeta estarán acompañados en el escenario por los cantaores Antonio Villar --hijo de Juanito Villar--, Encarnita Anillo, Mari Vizárraga 'La Mari' y Pepe de Pura, los guitarristas Román y Raúl Vicenti, el violinista Tomás y el percusionista Polito. La producción ha corrido a cargo de Sanlúcar Producciones.

En TR3S Flamenco, que durará 90 minutos, los Fernández Montoya quieren volcar todas sus vivencias y su forma de ver el mundo del baile flamenco. "Nosotros, los gitanos, nos miramos en el espejo de nuestros mayores para no olvidar nunca quienes somos en realidad", han señalado.

Las doce esculturas de bronce de Ai Wewei expuestas en el CAC de Málaga

Uno de los artistas actuales más influyentes, el chino Ai Weiwei, incansable en su denuncia de la falta de libertades en su país, muestra parte de su obra en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga en una exposición inédita en España, «Circle of Animals / Zodiac Heads», doce esculturas de bronce de más de tres metros de altura que representan las cabezas de los animales del zodiaco chino.

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Los responsables de la pinacoteca reconocen que se trata deuna exposición «de alto riesgo» por la gran expectación que ha levantado la llegada de la obra del artista, cuya visita a la ciudad se da por segura aunque aún sin fecha, según el director del CAC y comisario de la exposición, Fernando Francés. En sólo unas horas el CAC ha recibido más de 2.000 llamadas interesadas por la exposición  La muestra permanecerá abierta hasta el 6 de diciembre.

Las piezas que podrán contemplarse en el CAC están inspiradas en la fuente-reloj del palacio de verano de Yuaming Yuan, arrasado durante la Segunda Guerra del Opio. Conocido sobre todo por su carácter reivindicativo y de oposición al régimen de su país, Ai Weiwei recurre al inconformismo, la disidencia, la condición mediática y la búsqueda de la contemplación de la tradición china en un nuevo contexto. 

El artista permaneció 600 días en arresto domiciliario en su estudio de Beijing, ciudad de la que su gobierno no le permitió salir hasta el pasado 22 de julio. En este tiempo sus obras han viajado a los principales museos del mundo. «Una sociedad sin libertad para hablar es un oscuro pozo sin fondo. Y cuando está tan oscuro, todo lo demás empieza a brillar», dice una de sus citas más repetidas.

Ai Weiwei (1957, Beijing), es reconocido por su denuncia constante de la represión y la censura en su país. Para Francés, «la búsqueda constante de la provocación en su trabajo tiene como claro objetivo remover conciencias, sus obras no son solo el resultado de un proceso creativo: su trabajo es el resultado de las experiencias vividas por él y por sus compatriotas. Un artista visual cuyo arte provoca, desafía, choca… Un hombre que usa el arte como un arma de protesta, un arma cargada con veraces balas».

El espíritu reivindicativo de Ai Weiwei se forja en el artista desde su juventud. Su padre, Ai Qing, un prestigioso poeta chino, además de recibir la prohibición de publicar sus obras, fue desterrado a una granja de Manchuria en 1958, impidiendo a su familia el acceso a libros y a lectura. A su vuelta a Beijing en 1975, Ai Weiwei se sumergió en la vida cultural y activista de la ciudad. Poco después, viajó a Estados Unidos para estudiar el Pop Art, el Arte Conceptual y el Minimalismo que, junto a artistas como Marcel Duchamp o Andy Warhol, se convirtieron en las corrientes y personajes más influyentes en su obra.

Arte brasileño para una singular exposición en el Panteón de Roma

Daniel Muñoz

Sao Paulo, 18 sep (EFE).- Una muestra con 32 pinturas del brasileño Carlos Araújo, inspirada en pasajes bíblicos del Génesis, ocupará a partir del 25 de septiembre un espacio muy singular, el del Panteón de Roma, un lugar en el que desde hace tres siglos no se celebran exposiciones, según asegura el artista.

"Escogimos el Génesis justamente para encontrar un lugar común a la mayoría de las religiones, en el sentido de que todos nosotros somos hermanos a partir de un mismo creador", comentó Araújo a Efe antes de partir para Italia y consciente de la "responsabilidad" de ocupar con sus obras el milenario edificio.

La muestra de Araújo será la primera de la Exposición Internacional de Arte Sacro del Programa Pastoral de la Diócesis de Roma, que a partir de 2015 recibirá cada año obras de artistas contemporáneos.

Con cerca de 15.000 visitante por día, cifra que se triplica en el verano, el Panteón de Roma ya fue una referencia en la época del renacimiento y por allí pasaron obras de importantes artistas como Rafael, aunque desde hace tres siglos no es un lugar habitual de exposiciones.

Para Araújo, de 65 años, exponer en uno de los monumentos más preservados del Imperio Romano le permite con su trabajo hacer un llamado a la "solidaridad de los pueblos", que "tanto está necesitando la sociedad".

Desde los años ochenta, Araújo fue aclamado por los coleccionistas de arte sacro y desde hace 25 años se ha dedicado a la pintura de pasajes bíblicos en telas de hasta seis metros de altura, en las que puede "transmitir mensajes" de "carácter universal" que van más allá de la religión, apuntó.

El artista paulista comenzó su trabajo artístico a los trece años de edad y como observador de la "desigualdad" escribe y pinta en homenaje "al hombre" del mundo cotidiano, una obra que lo lleva a las principales galerías del país y de Europa desde los años setenta.

"El indio que muere de tuberculosis, el señalizador de la laguna de Itaipú que no tiene más que su banderita, la nieta que amamanta la abuela porque no tienen más que comer, personas que duermen en sacos de cementos y se queman las espaldas en Sao Paulo", son algunas de las inspiraciones de su obra no sacra, contó Araújo.

A pesar de su proximidad con el arte clásico, el brasileño apuesta también por el ambiente virtual que puede ganar su obra con la exposición en internet para quienes no puedan verla físicamente en Roma.

"Noté que ese medio (internet) es un medio de interés universal, por la facilidad de transmisión principalmente comparativa a la ejecución de libros, que necesitan de papel, gráficas y una serie de factores que hoy son altamente costosos y también su penetración es incomparablemente mayor", expresó.

El total de las casi 1.200 pinturas de 'Genésis', dispuestas en un eje temático de 28 galerías, serán exhibidas en la red bajo el proyecto 'Museo Virtual', idealizado por Araújo y apoyado por el Panteón de Roma en su propósito de acercamiento entre el arte y la fe propuesto por el papa Francisco.

La comisaría de la muestra fue realizada por el propio artista junto a Giovanni Belardi, superintendente de Bienes Arquitectónicos y Paisajísticos de Roma.

Artista habitual del Museo de Arte de Sao Paulo (MASP), Araújo ha expuesto en la Bienal de Florencia (2007); en el Carrusel del Museo de Louvre, en París (2008); en la sede del Parlamento Europeo, en Bruselas (2012) con la misma muestra 'Génesis', y en el Castel dell'Ovo, en Nápoles (2014), entre otros lugares de Europa.

Ahmed Mohamed: el niño arrestado por construir un reloj que confundieron con una bomba

Ahmed Mohamed no siguió el consejo que le dio su profesor de ingeniería en la escuela Mc Arthur de la ciudad de Irving, Texas, Estados Unidos.

    

El joven de 14 años había construido un reloj en su casa pero no logró impresionar al maestro, quien le sugirió que no se lo mostrara a nadie más. Pero después que la alarma del aparato se disparó en la clase de inglés, Ahmed decidió enseñarle su última invención a la profesora.

"Me dijo 'Parece una bomba'", relató el estudiante de noveno grado al diario The Dallas Morning News. "Le respondí, 'a mí no me parece una bomba".

Más tarde, la alarma del aparato se disparó durante la clase de inglés y por eso el jovencito se lo mostró a la profesora nuevamente.

Hacia el final de la jornada escolar, el director de la escuela y un policía sacaron a Mohamed del aula.

En una habitación le esperaban cuatro oficiales más y de acuerdo con el relato del joven, un oficial a quien nunca había visto antes se reclinó en su silla y observó: "Sí. Es quien yo pensaba que era"

Los agentes registraron sus pertenencias durante al menos un par de horas y el director de la escuela amenazó con expulsarlo si no hacía una declaración por escrito, afirmó.

"Me preguntaban '¿Así que trató de hacer una bomba?'", dijo Mohamed. "Les dije que no, que estaba tratando de hacer un reloj. Me dijeron: 'A mí me parece que una bomba como la de las películas."

Una invitación a la Casa Blanca

Mohamed salió esposado de la escuela.

La foto que capta ese instante -vistiendo una camiseta de la NASA y con su mirada de estupefacción- ha circulado ampliamente en internet.

El joven fue conducido a un centro de detención juvenil, donde se reunió con sus padres luego de que le tomaron las huellas. Fue suspendido de la escuela por tres días.

La policía de Texas dijo el miércoles en la tarde que no presentará cargos contra Ahmed.

"Siempre hemos tenido una relación excepcional con la comunidad musulmana", declaró el jefe del Departamento de la Policía de Irving, Larry Boyd, a la BBC. "Incidentes como este presentan desafíos. Queremos aprender cómo podemos avanzar y convertir esto en algo positivo".

Su detención ha generado una ola de solidaridad en las redes sociales, e incluso el presidente Obama se sumó a ella, invitando a Ahmed a la Casa Blanca.

"Qué reloj tan genial, Ahmed. ¿Quieres traerlo a la Casa Blanca? Deberíamos inspirar para que a más niños como tú les guste la ciencia. Es lo que hace grande a Estados Unidos", escribió en su cuenta de Twitter.

El fundador y presidente ejecutivo de Facebook, Mark Zuckeberg, también intervino en el debate.

"Tener la habilidad y la ambición de construir algo genial debería conducir al aplauso, no al arresto. El futuro pertenece a gente como Ahmed", escribió en su cuenta personal.

Anil Dash, bloguero y fundador de Think up, una compañía de análisis de datos, convocó al público a proponer ideas para apoyar la educación y creatividad de Ahmed. Y el hashtag #IstandwithAhmed se convirtió en tendencia mundial.

La revista Wired publicó sus propias instrucciones sobre "cómo hacer tu propio reloj casero que no es una bomba".

Una reflexión sobre el arte y la vida moderna en la 13 Bienal de Lyon

Bajo el título “La vida moderna”, la decimotercera edición de la Bienal de Arte de la ciudad francesa de Lyon ha abierto sus puertas esta semana.

El estadounidense Ralph Rugoff es el comisario invitado en esta ocasión. Para Rugoff, existe una gran diferencia entre las maneras periodística y artística de retratar el mundo en el que vivimos hoy.

“Obviamente existe una gran diferencia entre la información con la que se nos bombardea todos los días y el significado, explica Rugoff. Hay mucha información que no quiere decir nada. El arte, sin embargo, tiene como objetivo crear nuevas posibilidades de significado. El arte es como una conversación, como una danza. También creo que el arte, en nuestra cultura, es el espacio en el que se pueden crear nuevos significados”.

El fundador y director artístico de la Bienal, Thierry Raspail, asegura que, cada vez más, los artistas evitan sobrecargar sus obras con referencias conceptuales e intelectuales.

“Hace 30 o 40 años el principal enemigo de un artista era otro artista. Hoy son las redes sociales. Es decir, todo lo que se publica en Instagram o en Facebook es muy eficaz. Y esto ha obligado al artista a cambiar, a trabajar más la inmediatez, a proponer imágenes más comprensibles”, asegura Raspail.

Al artista francés Michel Blazy le gusta trabajar con materiales vivos para mostrar la evolución y la libertad de aquellos proyectos cuyo objetivo es subrayar el paso del tiempo.

 

Observaciones sobre cómo leer una obra de arte

Elsa Zambrano solo se relaciona con obras de arte. Retoma por ejemplo al norteamericano Roy Lichtenstein que perteneció al movimiento Pop y que en febrero de 1962 hizo su revolución imaginaria con Jime Dime, Jasper Jones, Claes Oldemburg, Robert Rauschenberg, George Segal y Andy Warhol. El mundo de los objetos tenía otra voz menos convencional y más racionalmente crítica al mundo comercial. Los collages se volvieron más objetuales. El mundo del arte cambió de ruta. Lo que hoy son las instalaciones con sus mil explicaciones.

Elsa Zambrano busca continuar este concepto pero recreando el mundo pictórico con sus postales que son el recuento y sus objetos que son la lustración. Cada imagen tiene su eco en las cajitas. Cada  objeto tiene su correspondiente soporte en un objeto encontrado o reproducido de manera que la vida se salga de lo pictórico a lo virtual. Cada artista tiene su nueva representación sin cambiar mucho el significado de la verdadera obra de arte porque así como es asida en la composición de sus objetos, es crítica de la vocación del coleccionista como acumulador. No como receptor de grandes obras sino como seres que consiguen guardar la sabiduría para sí mismos.

Ella recompone las imágenes. Singulariza la obra de arte y la reinterpreta en objeto para que todo quede amarrado a una sola expresión. Otra forma interesante de ver o aprender a ver la obra de arte en reproducción.

 

http://www.las2orillas.co/observaciones-sobre-como-leer-una-obra-de-arte/

El subte, una galería de arte debajo de la Ciudad

Con 390 obras de 170 artistas distribuidas en toda la red, el subterráneo porteño se fue convirtiendo en una gran galería de arte debajo de las calles de la Ciudad. Sobre todo con murales, pero también con mayólicas y hasta esculturas, nombres destacados como los de Milo Locket, Pedro Cuevas, Hermenegildo Sábat y Marino Santamaría, sólo por nombrar algunos, están presentes en las paredes de estaciones, en túneles y en andenes de las seis líneas.

Ahora, muralistas urbanos, artistas plásticos e ilustradores siguen trabajando como parte del Plan de Gestión Cultural y Patrimonial, que sigue sumando propuestas artísticas a las que ya existen. La premisa es exhibir la diversidad de las manifestaciones artísticas del país, manteniendo las estaciones patrimoniales. La iniciativa comprende trabajos de puesta en valor, el emplazamiento de murales de artistas emergentes y de vasta trayectoria –ya sean obras originales o reproducciones-, y la restauración de objetos patrimoniales bajo la supervisión de la Dirección General de Patrimonio Histórico del Gobierno de la Ciudad junto a un equipo de expertos. 

En ese sentido, la línea A, la más antigua de la Ciudad, conserva obras que recuerdan hitos históricos de la Ciudad y la República. Allí también se destacan las obras de Guillermo Roux expuestas en la estación San José de Flores, el barrio del artista 

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En la B se incorporaron obras de artistas de variada trayectoria, y el concepto que predomina en sus 17 estaciones es el arte urbano y distintos homenajes a artistas argentinos. Al mismo tiempo, los usuarios pueden encontrar murales cerámicos de estilo contemporáneo y abstracto, con técnicas porteñas como el fileteado. En la estación Carlos Gardel, por ejemplo Marino Santa María hizo un mural cerámico con el Zorzal como tema central. Y el mismo artista está trabajando con un millón de vencitas otra obra para la estación Las Heras de la línea H, que aún no está inaugurada.  

La C es conocida como "la línea de los españoles", por la elección de temas que evocan paisajes típicos de las ciudadelas más importantes de España y que invitan a realizar un viaje a través de la península Ibérica, sin salir de Buenos Aires. El estilo predominante es el neocolonial, fusionado con elementos decorativos indígenas. Asimismo, en Constitución se emplazó un mural que homenajea a las mujeres inmigrantes.

Filosofía, arte y literatura, el ‘mix’ que proponen tres universidades

 
Por último, el día viernes se continuará con el Congreso De Literatura. La jornada estará dedicada a darle la importancia merecida al legado literario de la escritora barranquillera fallecida hace 20 años, Marvel Moreno, y a impulsar la difusión y estudio de su obra literaria.

Esta semana llena de filosofía, arte y literatura es organizada por el Departamento de Filosofía y Humanidades de la Universidad del Norte. El Congreso de Literatura es apoyado por la Universidad del Atlántico y la I Jornada de Teoría Crítica, por la Universidad Nacional de Colombia.